quiero mis quince: CRFIC 2016

Del ocho al diecisiete de diciembre, sucedió la edición 2016 del Costa Rica Festival Internacional de Cine (CRFIC). Pedí vacaciones no pagadas en el call center. Fui a dormir donde mi madre, para estar más cerca de las sedes. No comí tanto como le gustaría a mis abuelas. Tampoco dormí mucho. Valió la pena. De las veintitantas películas que vi, acá mis quince preferidas. (Tanto las sinopsis como los aspectos memorables son, inevitablemente, personales. Para más información sobre cada película, sin el filtro de mis limitaciones e intereses, ver Microsoft Encarta.)

Certain Women (Kelly Reichardt, 2016)

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I think those questions about community keep coming up over and over again in these films […] — Kelly Reichardt

Sinopsis: Tres historias de mujeres tenuemente vinculadas entre sí, representadas con un minimalismo—de diálogos, música, acciones grandiosas, paleta de colores—y una sensibilidad melancólica conmovedores. En Certain Women, como en el resto de la filmografía de Reichardt, podemos observar cómo algunas personas intentan establecer relaciones satisfactorias con el mundo que habitan. Y cómo fracasan.

Memorable: Una noche, Jaime (Lily Gladstone) maneja cuatro horas solo para poder volver a ver a Beth (Kristen Stewart). Se parquea frente al sitio de trabajo de Beth, y la espera. El encuentro es breve e incómodo. Jaime comienza a manejar de vuelta al rancho en el que debe alimentar caballos, y continuar con su rutina invernal, a cuatro horas de distancia. Tanto el viaje de Jaime hacia Beth, con tomas de la carretera de noche acompañadas por ruidos de estática, como el viaje después del encuentro fallido, más enfocado en la cara de desilusión de Jaime, son dos de los momentos más bellos de la película.

Toni Erdmann (Maren Ade, 2016)

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That’s what I found out when I tried to shorten the film; it gets very banal and less complex. The film needed a certain length…it just takes time […] And when I tried to cut the film down, it was really astonishing to me, and very frightening, how fast you can ruin the whole film. — Maren Ade

Sinopsis: Winfried Conradi (Peter Simonischek) viaja desde Alemania hasta Romania para compartir con su hija, Ines (Sandra Hüller), quien trabaja para una empresa consultora. Ambos están algo estancados en sus roles padre-hija. Él, señor despreocupado, anda con dientes postizos guardados en la bolsa del pantalón, como accesorio cómico. Ella, adulta severa, a pesar de sí misma, le sigue el juego a su padre cuando él decide interpretar el papel de Toni Erdmann.

Memorable: Sea la angustia que se asoma inesperadamente cuando Ines, haciéndose pasar por Whitney Schnuck, canta Greatest Love of All completa, o la placentera incomodidad de una fiesta nudista que nos permite sentir el pasar de los minutos mientras vemos la reacción de cada personaje frente al evento, la duración prolongada de varias escenas permite maximizar las emociones en juego. Además, las transiciones e interacciones entre ambos protagonistas se manejan de forma fluida y evocadora. Comenzamos con Winifried, pasamos a Ines, los vemos ambos, volvemos a Ines—cada cambio es disfrutable. Ciento sesenta minutos de vitalidad.

Right Now, Wrong Then (Hong Sang-soo, 2015)

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Full intention is always, always boring. Small intention and lots of openings for what is given, and respond to it in that moment and try to make something, in the end, of one piece. It’s my temperament. — Hong Sang-soo

Sinopsis: Una película que nos muestra dos versiones posibles, ligeramente distintas, de un día de encuentro entre Ham Cheon-soo (Jae-yeong Jeong), director de cine famoso en ciertos círculos, y Yoon Hee-jeong (Min-hee Kim), pintora comenzando su carrera. Durante la primera hora, los vemos hablar en un café, un estudio de pintura, un restaurante, una casa de amigos y la calle. Durante la segunda hora, vemos lo mismo, pero diferente.

Memorable: Las interacciones entre ambos protagonistas son incómodas, encantadoras. Comunicarse con mucha o poca sinceridad, expresarse de forma muy efusiva, enojarse frente a la dificultad de definir un concepto claramente—observar dos versiones distintas de un mismo día nos permite notar distintas maneras en las que el lenguaje traiciona o ayuda a los personajes. Una idea simple pero interesante, representada de forma magnética.

El futuro perfecto (Nele Wohlatz, 2016)

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Me imaginaba para la película unas clases de español que no fuesen del todo realistas, que sucedieran más bien en una situación de limbo, en la que los estudiantes formasen una suerte de coro griego que comente la vida de Xiaobin, usando frases del manual de idiomas. Que subrayen la parte más teatral de las clases de idioma. — Nele Wohlatz

Sinopsis: Xiaobin (Xiaobin Zhang) llega a Argentina, desde China, para reencontrarse con sus padres migrantes. Sabe muy poco español. Conoce la palabra “asado,” por ejemplo, pero no sabe qué significa exactamente. En contra de expectativas paternas, Xiaobin—también conocida como Beatriz y, luego, Sabrina—decide inscribirse en clases en el Centro Universitario de Idiomas, esconde su dinero para usarlo en intereses personales y establece un tímido pero simpático romance con Vijay (Saroj Kumar Malik).

Memorable: Las escenas durante las clases de español resultan encantadores retratos del proceso de aprender no solo un idioma sino también ciertos códigos culturales y formas de comportarse. Además, funcionan como excusa para una serie de escenas que recrean cómo Xiaobin imagina su porvenir. Los potenciales escenarios futuros que ella describe—escritos por la misma actriz, quien colaboró estrechamente con la directora—resultan graciosos por su pesimismo e intensidad. El más feliz se resumía en una frase, el resto son más melodramáticos porque es como ella ve el cine.

La muerte de Luis XIV (Albert Serra, 2016)

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En realidad, uno está vivo y de repente deja de estarlo. No hay epifanías. Además estoy seguro de que incluso quienes están a punto de morir no creen que vayan a morir, piensan que en el último momento va a pasar un milagro. — Albert Serra

Sinopsis: Hace unos años, el Centre Pompidou comisionó un proyecto: Jean-Pierre Léaud iba a interpretar la muerte de Luis XIV durante quince días, dentro de una jaula de vidrio. Por motivos de presupuesto, el proyecto fue cancelado, pero tanto Serra como el actor decidieron revivirlo en cine. La película resultante, cuyo rodaje duró quince días, muestra ese proceso en el que una figura poderosa, venerada, muere (the contrast, obviously, of being in absolute power and being completely impotent with illness and with death).

Memorable: Si uno está dispuesto a involucrarse en la manipulación, y las condiciones son adecuadas para hacerlo, ciertas películas logran reducir tanto su ritmo que el mínimo movimiento, las acciones menos grandiosas, se sientan impactantes. Luis XIV (Léaud), confinado a su cama, pierde gradualmente su vitalidad (the most beautiful thing was going from movement and gradually going to non-movement of the body). Junto con sus médicos, súbditos y sirvientes, estamos atrapados con él en espacios reducidos, atestiguando acciones repetitivas durante periodos prolongados. De repente, una escena en la que varios hombres, apenados, intentan alimentarlo, se siente llena de suspenso. Cada uva que rechaza, cada gota de agua que no logra tragar, resultan angustiantes.

The Ornithologist (João Pedro Rodrigues, 2016)

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Usually you film birds in nature but you never think about how they see you and it was one of the ideas that made it through the film. It was a complete mystery to me. What is in their heads? — João Pedro Rodrigues

Sinopsis: Entre paisajes impresionantes, un ornitólogo (Paul Hamy) anda en kayak, habla con su novio por teléfono, toma sus medicamentos. Todo se desarrolla de forma tranquila, hasta que una corriente lo atrapa, lo aleja de su punto de origen y desencadena una serie de encuentros con personajes inusuales (por ejemplo: insanely devout Chinese lesbian Christian pilgrims). Transformaciones en el personaje, e incluso en el actor, acompañan los giros en la trama (digámosle), tan cautivadores como difíciles de describir. What begins as a science documentary becomes an adventure. What becomes an adventure transforms into a mystical fable.

Memorable: Asombro y desconcierto fueron, para mí, constantes durante The Ornithologist. La imaginación de Rodrigues se suma a su fluidez al hacer cine; el director permite que los planes iniciales para película cambien según se enfrenta a nuevos paisajes, actores o posibilidades prácticas. Además del ornitólogo, concebido por Rodrigues como una mezcla entre santo y superhéroe, vemos mujeres en caballo hablando Latín (also wearing contemporary trousers and footwear), un grupo de caretos, y un pastor sudado (Xelo Cagiao). Cerca del inicio, como señal de la extrañeza que se aproxima, una de las chinas cristianas, agachada, le chupa la rodilla herida a su compañera. ¿Por qué no?

Aquarius (Kleber Mendonça Filho, 2016)

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The film has been receiving very strong reactions from young women as well as older women. Clara is like a classic movie heroine, which is how I had envisioned her when I was writing the script. I had this ridiculous idea of finding some woman in the supermarket who would be the perfect person to play the lead role. But this woman had already existed in our culture, in my own life, and it was Sônia. — Kleber Mendonça Filho

Sinopsis: Entre otras cosas, Aquarius es el nombre de un edificio en Recife, Brasil, en el que Clara (Sônia Braga)—crítica de música, viuda de sesentaitantos, con tres hijos—ha vivido por décadas. Ahí están sus vinilos, un mueble con el que asocia recuerdos variados, la hamaca donde hace siestas, el sillón donde le quita el pantalón a un hombre décadas menor. Mientras vemos cómo ella habita tanto su apartamento como los alrededores, un joven desarrollador inmobiliario (Fernando Teixeira), siguiendo el negocio de su padre, ejerce presión para que ella desaloje Aquarius. Clara resiste.

Memorable: Al igual que en proyectos pasados—como el corto Eletrodoméstica (2005) o su largometraje O Som ao Redor (2012)—, en Aquarius Mendonça representa, con personajes e imágenes atrayentes, la relación de las personas con sus entornos: apartamentos, edificios, barrios. Algunas personas se sienten asfixiadas por los espacios que habitan. Clara, en cambio, se mueve entre exteriores e interiores, y parece disfrutar ambos por igual (I didn’t think claustrophobia would help this character, since she’s actually interested in people and the world outside. Even her windows are normally wide open).

Behemoth (Zhao Liang, 2015)

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I don’t have to introduce the background of each person specifically. All we know is that this is a group of people who’ve been tossed about on earth and in the end they didn’t get anything. Their bodies are worn out and the environment is damaged. That’s all. — Zhao Liang

Sinopsis: Imágenes sin narración—salvo algunos momentos poéticos inspirados, como la estructura misma del documental, en la Divina Comedia—nos permiten darnos una (deprimente, mínima) idea del funcionamiento de la industria del carbón en China. Siguiendo el proceso industrial (Marx’s dream of documenting the raw-matter-to-finished-product cycle to illustrate both its economic and human costs), pasamos del infierno de las minas al purgatorio de los hospitales llenos de obreros, para culminar en el paraíso: enormes cantidades de edificios despoblados. Unas de las infames, míticas, ghost cities del país. A “false heaven.”

Memorable: Films that are based on dialogues or voice-overs make the visual language redundant, dice Zhao. Si bien no estoy del todo de acuerdo, lo cierto es que en Behemoth, las imágenes—desde su contenido hasta el orden en que son presentadas—no requieren mucho acompañamiento. La ausencia de explicación o comentario, lejos de reducirla, intensifica su potencia. ¿A qué lleva esa potencia? La visión de Zhao es algo desilusionada: I have my own aesthetic views and my opinions about life, but I don’t think that artistic works can change society […] They are very weak. I’ve made a lot of documentaries, but most are only available in film libraries for scholars to study. It’s disappointing.

The Land of the Enlightened (Pieter-Jan De Pue, 2016)

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I knew if I’m going to implement dreams visually in a documentary, I’m going to have to visualize this in a fictional way. I knew right away if I’m going to step into these dreams it’s going to be a hybrid structure, it’s not going to be like pure documentary. — Pieter-Jan De Pue

Sinopsis: Niños afganos, quienes interpretan una versión de sí mismos, sobreviven vendiendo viejas minas soviéticas o metales desechados. Soldados estadounidenses se ejercitan, o disparan desde una base militar enclavada en la cima de una montaña. De Pue entreteje imágenes de ambos grupos, e incluye escenas escritas a partir de fantasías que le compartieron los niños, sobre posibles futuros—propios, del país—después de la esperada evacuación de las tropas. We wanted to tell the dreams of Afghan children so we were obliged to work in a very fictional way, with effects such as time lapses and high speed shots to create this fictional/dreamy quality even more. But on the other side, we wanted to create a very heavy contrast with the war: many handheld, very rough and nervous hand-held camera shots.

Memorable: Varios aspectos de The Land of the Enlightened llaman la atención. La imponente belleza de los paisajes, su complicada categorización (documental creativo, ficción con elementos documentales, filme híbrido), la intriga que producen los vistazos a las vidas de los protagonistas (especialmente los niños) y las dificultades técnicas (desde falta de electricidad hasta ataques armados). Una escena que condensa todos los aspectos anteriores sucede al final del documental. Los niños, sobre caballos, galopan en medio Kabul, hacia un palacio destrozado.

Kaili Blues (Bi Gan, 2015)

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I think it feels good when you sleep during a film and I do often. I think “Solaris” is a good choice for it. — Bi Gan

Sinopsis: No sé cómo describir Kaili Blues. Al leer ciertas entrevistas con el director, dadas las particularidades del mandarín, es recomendable tomar en cuenta el contexto para saber cuál es el tiempo de cada acción mencionada (This is quite challenging for me). Kaili Blues produce una sensación similar de ensoñación. Una desorientación refrescante que le da aires enigmáticos a entornos familiares (ciertos paisajes de Kaili, ciudad en la provincia china de Guizhou, recuerdan a zonas tropicales costarricenses). En palabras de J. Hoberman: both the most elusive and the most memorable new movie that I’ve seen in quite some time—“elusive” and “memorable” being central to Bi’s ambitions. Podría decirse que hay trama. Pero.

Memorable: Percibí cierta somnolencia durante algunas partes al inicio de Kaili Blues. Intenté resistir el sueño. En eso, llegó un plano secuencia de cuarenta minutos que ya un amigo me había comentado. Una mujer en un bote actúa como guía turística de Kaili. Luego la cámara nos lleva por calles onduladas y edificios laberínticos. En algún momento, vemos una escena musical que incluye una banda de jóvenes y un señor que canta karaoke. No recuerdo bien todos los detalles; recuerdo la sensación (a film language that treats memory as a tangible thing. Objects here are pieces of time).

The Handmaiden (Chan-Wook Park, 2016)

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[…] the scene where the maid uses a silver thimble to file down the sharp tooth of her lady. It’s actually quite early in the book. That was the moment I said to myself, ‘I really want to see that on the big screen. I want to see that visualized.’ — Chan-Wook Park

Sinopsis: Inspirada en Fingersmith, novela escrita por Sarah Waters, The Handmaiden es una historia de engaño, desengaño y bolas chinas (ehm) situada en la década 1930, durante la ocupación japonesa de Corea. Lady Hideko (Kim Min-hee), junto con su tío opresivo (Cho Jin-woong), vive en una aislada e inmensa propiedad, rodeada por sirvientes y el fantasma de su tía. Bajo el pretexto de ser sirviente personal de Hideko, Sook-hee (Kim Tae-ri) llega desde Corea. Sus intenciones reales—defraudar la herencia de su jefa—son complicadas por la relación sexual, afectuosa, que surge entre ambas.

Memorable: Cuando pienso en The Handmaiden, pienso en la palabra exceso. Cambios de perspectiva, revelaciones, violencia exagerada, gustos sexuales extravagantes, movimientos de cámara floreados que exigen ser notados. En fin. Disfruté gran parte de ese exceso, así como la historia, con todos sus giros narrativos, por lo que ciertos elementos especialmente ridículos me parecieron fáciles de ignorar. Cuando pienso en The Handmaiden, también pienso en Moulin Rouge! (Baz Luhrmann, 2001), una película igualmente desmesurada que me había cautivado en el cine más de quince años antes, cuando no sabía que, supuestamente, existe algo llamado buen gusto.

La larga noche de Francisco Sanctis (Andrea Testa y Francisco Márquez, 2016)

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[…] la historia, en sí misma, no es nada. Porque esa historia puede ser contada por veinte directores y serán veinte películas distintas. Creemos principalmente, que el cine es forma… es una imagen y sonido…. Y en ese sentido todo está determinado por la forma pero en relación al tema. — Francisco Márquez

Sinopsis: La única película codirigida que vi durante el CRFIC, La larga noche de Francisco Sanctis toma su trama general de una novela homónima, escrita por el autor argentino Humberto Cacho Constantini (a quien los directores conocieron gracias a un poema titulado Yanquis hijos de puta). Francisco Sanctis, empleado casado de clase media, padre de dos hijos, recibe una llamada de una excompañera de universidad. Ella le comparte el nombre de dos personas que van a ser desaparecidas esa noche (se presume que por militares argentinos durante el periodo de dictadura, aunque el contexto específico no es explícito). Él tiene que decidir qué hacer.

Memorable: Tarde en su larga noche, Francisco viaja en un taxi. Suena una canción que habla sobre amistad, mientras la frente de Francisco suda. Él no dice que está angustiado. Pero vemos, y sentimos, su angustia. Sin dar muchos detalles históricos o biográficos (ni del protagonista ni de las dos personas cuyos nombres él recibe), la película presenta varios momentos cuya fuerza visual nos adentra en el conflicto interno, moral, del personaje titular (por suerte persistimos en nuestro objetivo de confiar en el lenguaje cinematográfico y la mirada del espectador).

My Entire High School Sinking Into the Sea (Dash Shaw, 2016)

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Titanic came out when I was a teenager, and I really loved it, even though it was uncool to. I’d sit in class and imagine the school sinking into the ocean. I felt like this scenario would adequately dramatize the high school experience, especially when I came up with the idea of each floor being a different grade. — Dash Shaw

Sinopsis: Frustrado por trabas de financiamiento que atrasaban su primer propuesta de largometraje animado, Shaw decidió enfocarse en su especialidad: dibujar (ha publicado varios cómics con Fantagraphics). I kept thinking, “Why can’t I just go home and start drawing the movie?” And so I basically did. I went home and started making High School Sinking with Jane Samborski. La película resultante es una típica historia adolescente: Mientras Dash (Jason Schwartzman) es ignorado por su mejor amigo, Assaf (Reggie Watts), y sus contribuciones al periódico son desestimadas, sus compañeros de colegio mueren ahogados.

Memorable: My Entire High School Sinking Into the Sea combina autobiografía con fantasía hiperbólica. Tal contraste produce momentos de humor absurdo, como cuando los protagonistas, rodeados del caos de personas intentando sobrevivir, polemizan sobre la utilidad de los comentarios de elogio impresos en las contraportadas de libros. Otra fuente importante de sorpresa es el estilo visual de Shaw, interesado en las posibilidades que ofrece un lenguaje de animación limitado, desde la simpleza de referentes como Charles Schulz hasta la inspiración de elementos más inesperados, como un hisopo (Can putting a Q-tip on screen be awesome? Can just looking at a dot be exciting?).

One More Time with Feeling (Andrew Dominik, 2016)

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My rule was: If Nick or Susie were talking about something that involved the process of grieving, then it was OK to have it in the movie. I didn’t put in displays of emotional grief that had nothing to say.Andrew Dominik

Sinopsis: En el 2015, Arthur, uno de los hijos gemelos de Nick Cave, murió luego de caer de un precipicio. Pocos meses después, Cave quería sacar un disco, y sentía cierta necesidad de discutir públicamente lo sucedido, pero la idea de dar entrevistas con periodistas desconocidos, que inevitablemente le harían preguntas sobre Arthur, le parecía insoportable. Entonces, le pidió a Dominik, conocido de treinta años, que hiciera un documental sobre el cual podría tener algo más de control. One More Time With Feeling muestra interpretaciones de todas las canciones de Skeleton Treeentrelazadas con grabaciones de Cave o su esposa, Susie Bick, intentando verbalizar su estado emocional. They’ve got Earl and they’ve got each other, and it’s never going to be the same again.

Memorable: Cave tiene maneras bastante evocadoras, absorbentes, de expresarse. La edición del documental, además, ayuda a presentar sus frases de forma especialmente efectiva. Cerca del inicio, por ejemplo, Cave menciona que, para él, la sensación del tiempo ahora es elástica. En ese momento, parece una frase poética, algo sugerente, quizás, pero no del todo clara. Sin embargo, cerca del final, se retoma la idea. Ayudado por gestos de sus manos, Cave describe por qué el tiempo se siente elástico. Su explicación resulta bastante esclarecedora. Y bastante triste.

Memories of a Penitent Heart (Cecilia Aldarondo, 2016)

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Decir que se murió de cáncer también fue una forma de ocultar. Por eso no es suficiente con lo que uno ha encontrado, tuve que leer entre líneas, entender que no se está diciendo. De manera paradójica lo que se ha recordado es una forma de ocultar y olvidar, es lo que quiero enfrentar en la película. — Cecilia Aldarondo

Sinopsis: Luego de recibir una caja con películas y diapositivas familiares,  Aldarondo comenzó a interesarse, especialmente, por la historia de su tío Miguel, quien había muerto en 1987, cuando ella tenía seis años. ¿Qué sabía realmente sobre ese tío que emigró desde Puerto Rico hacia Nueva York para probar suerte en Broadway? ¿Era un hombre heterosexual que murió de cáncer o un hombre, con novio, que padecía de SIDA? Como se evidencia en el documental, el interés de Aldarondo la llevó a procesos detectivescos, profundos no solo por la magnitud de los materiales y esfuerzos implicados (correos electrónicos con amantes de Miguel, por ejemplo), sino también por el peso emocional de enfrentar dolorosos secretos familiares.

Memorable: Además de las revelaciones de la historia familiar de Aldarondo, y la fuerza de ciertas imágenes descritas (la idea de Miguel arrepintiéndose de sus pecados antes de morir), un aspecto interesante es la tensión entre la innegable presencia de Aldarondo en el documental y sus intenciones de ser una figura imperceptible. Luego de intentar el papel de reportera imparcial, cerca del final del documental hay un quiebre hacia lo personal. Estaba ciega sobre cómo estaba funcionando yo en este proceso,y al final tuve como una crisis, me enfrenté al hecho de que yo estaba juzgando a todo el mundo, en papel de juez, jurado y verdugo. Estaba tratando de mantener una distancia irreal, que me parecía una injusticia.

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